키네틱 아트는 보는 사람에 의해 지각될 수 있는 움직임을 포함하거나 그것의 효과를 위해 움직임에 의존하는 어떤 매체로부터의 예술입니다. 예술작품에 대한 관람자의 관점을 확장하고 다차원적인 움직임을 포함하는 캔버스 그림은 운동 예술의 가장 초기의 예입니다. 좀 더 일관되게 말하자면, 키네틱 아트는 오늘날 자연적으로 움직이거나 기계로 작동하는 모빌과 같은 3차원 조각과 인물들을 가리키는 용어입니다. (예를 들어 조지 리키, 울리 아셴본, 사르니코프의 이 페이지의 비디오를 참조하십시오.) 움직이는 부품은 일반적으로 바람, 모터[2] 또는 관찰자에 의해 구동됩니다. 키네틱 아트는 다양한 겹치는 기술과 스타일을 포함합니다.
또한 가상의 움직임, 또는 오히려 작품의 특정 각도나 부분에서만 인식되는 움직임을 포함하는 운동 예술의 부분이 있습니다. 이 용어는 또한 많은 사람들이 모터, 기계 또는 전기로 구동되는 시스템에 의해 움직임이 창조된 예술작품을 언급할 때 사용하는 "겉보기 운동"이라는 용어와 자주 충돌합니다. 명백한 움직임과 가상의 움직임 둘 다 단지 최근에 운영 예술의 스타일로 주장되어 온 운동 예술의 스타일입니다. 키네틱 아트와 옵 아트의 중복의 양은 예술가들과 미술사학자들이 하나의 포괄적 용어로 두 스타일을 통합하는 것을 고려할 만큼 충분히 중요하지 않지만, 아직 만들어지지 않은 차이점이 있습니다.
"운동학 예술"이라는 별명은 많은 출처로부터 발전되었습니다. 키네틱 아트는 원래 캔버스 위에서 인간 형상의 움직임을 강조하는 실험을 했던 클로드 모네, 에드거 드가, 그리고 에두아르 마네와 같은 19세기 후반 인상파 화가들에게서 유래했습니다. 이 인상파 화가들의 삼두 정치 체제는 모두 동시대의 화가들보다 더 실물과 같은 예술을 창조하기 위해 노력했습니다. 드가의 무용수와 경주마 초상화는 그가 "사진적 사실주의"라고 믿었던 것의 예입니다.[4] 19세기 후반 드가와 같은 예술가들은 생생한 문양의 풍경과 초상화로 사진을 향한 움직임에 도전할 필요성을 느꼈습니다.
1900년대 초까지, 어떤 예술가들은 그들의 예술을 역동적인 움직임으로 돌리는 것에 점점 더 가까워졌습니다. 이 스타일을 이름 지은 두 예술가 중 한 명인 나움 가보는 "운동적 리듬"의 예로 그의 작품에 대해 자주 썼습니다.[5] 그는 그의 움직이는 조각인 키네틱 컨스트럭션 (일명 스탠딩 웨이브, 1919-20으로도 불림)[6]이 20세기 최초의 조각이라고 느꼈습니다. 1920년대부터 1960년대까지, 운동 미술의 스타일은 모빌과 새로운 형태의 조각을 실험한 많은 다른 예술가들에 의해 재편성되었습니다.
예술가들이 "그림과 풍경을 페이지에서 옮겨내고 예술이 경직되지 않다는 것을 부인할 수 없을 정도로 증명하기 위한" 진보는 구성 양식의 중요한 혁신과 변화를 가져왔습니다. 에두아르 마네, 에드가 드가, 그리고 클로드 모네는 인상파 운동의 이러한 변화를 시작한 19세기의 세 예술가입니다. 비록 그들은 각자 독특한 방식으로 그들의 작품에 움직임을 접목시켰지만, 그들은 현실주의자가 되려는 의도로 그렇게 했습니다. 같은 시기에, 오귀스트 로댕은 예술에서 발전하는 운동 운동을 지지하기 위해 그의 초기 작품들이 연설한 예술가였습니다. 하지만, 오귀스트 로댕의 그 운동에 대한 후기 비판은 마네, 드가, 그리고 모네의 능력에 간접적으로 도전했고, 그 때 그 순간을 정확히 포착하고 실제 삶에서 보여지는 활력을 주는 것은 불가능하다고 주장했습니다.
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